Proyecto financiado por FONDART asignación 2019

 

Mokuhanga: xilografía japonesa.

 

 

 

Paper en que se basa la ponencia en el I Congreso Nacional ALADAA 2019. Simposio : LA FORMA DEL ARTE EN ASIA Y ÁFRICA: DIÁLOGOS DESDE LA REFLEXIÓN EN CHILE Y LATINOAMÉRICA.

 

I Congreso Nacional ALADAA Chile

El Estado del Arte:

Los estudios de Asia y África en Chile

 

Este artículo se enmarca en el compromiso de publicaciones para la difusión de la Investigación "El Estado de Mokuhanga en Chile: práctica y enseñanza de la xilografía japonesa". Que fue financiada por FONDART Nacional 2019.

 

Paola Beatriz González Farías

Magíster en Educación

Profesora de Artes Visuales

Exbecaria en Japón JICA 2006

Artista e investigadora en xilografía y mokuhanga

2019

zukunomo@xilografia.cl

 

Mokuhanga: xilografía japonesa

 

Resumen

 

Mokuhanga es el nombre en japonés de la xilografía, nombre disciplinar desconocido en sí pero que ha producido imágenes muy populares alrededor del mundo, gracias a ukiyo-e (imágenes del mundo que fluye), siendo la “Gran ola de Kanagawa” de Hokusai el ícono indiscutido del arte japonés. Dio pie al japonismo europeo influyendo fuertemente en el arte mundial, especialmente sobre el Impresionismo. Se presenta acá un avance de la investigación “El Estado de Mokuhanga en Chile: práctica y enseñanza de la xilografía japonesa” que está siendo desarrollada gracias a FONDART Nacional (2019) del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. Un avance además, fue presentado en la Conferencia Internacional de Mokuhanga en Hawaii 2017. En esta oportunidad se presentan aspectos importantes de Mokuhanga en contraste a la xilografía de tipo “occidental” aplicada mayoritariamente en Chile; y, una breve muestra de la experiencia de esta disciplina en el mundo.

 

Moku Hanga (木版画): La disciplina de los más famosos Ukiyo-e.

 

¿Qué es mokuhanga y cuál es la diferencia con la xilografía de Occidente? Moku Hanga es en japonés lo mismo que xilografía es en español (moku=xilo=madera; Hanga=grafía=estampa o registro). Sin embargo, el diccionario (Enderle Shoten) traduce xilografía como mokuchö, mokuhan (木版) ó mokuhan-jutsu; y Grabado en Madera como kibori (木彫り); considerada una disciplina de las Artes Visuales consistente en la reproducción –tradicionalmente estampando sobre papel de kozo (washi)- de una o varias matrices de madera, generadas mediante tallado.

 

Se entiende que mokuhanga es una práctica de carácter tradicional (IMCHawaii 2017) que conserva el uso de herramientas y procedimientos específicos con los “protocolos” originales: entre ellos, la dirección de la luz (norte) al momento de tallar, el uso de madera ‘nativa’, especialmente de cerezo (actualmente tilo), el uso de tinta al agua y de papel de kozo (morera papelera) llamado genéricamente papel japonés washi 和紙 (pigmentos naturales mezcladas con nori (のり) –aglutinante a partir de la cocción de almidón de arroz con agua); el entintado con brochas específicas como el marubake. Incluso, para la elaboración de la herramienta fundamental de impresión: el baren, se utiliza un procedimiento muy riguroso, con materiales extraídos desde zonas específicas de la caña de bambú (el 4° anillo), que se remoja exactamente 6 minutos, para hacer un tejido hilando hebras que se enrollan en forma de espiral para crear la base de la presión, cubierta con una lámina de bambú y sobrepuesta en un conjunto de 48 circunferencias de papel japonés que son pegadas una sobre otra esperando el tiempo de secado de cada lámina. De acuerdo a la cantidad de hebras (8, 12, 16…) que se hilan para construir el baren ばれん se obtienen distintos resultados de impresión, siendo entre las características de texturas más o menos densas y con mayor o menor intensidad del color. Fig. 1

 

La elección de los materiales para Moku Hanga trata del estudio de toda una tradición disciplinar. Las tinas al agua permiten realizar varias capas de colores que se pueden entremezclar de maneras muy sutiles generando efectos visuales riquísimos y aprovechando la mayor absorción de las hebras del papel de kozo, así los maestros utilizan gran cantidad de matrices de madera para una sola imagen en las que se pueden observar fácilmente más de doce colores, evidenciando en muchos casos la huella de la veta de la madera que usaron como matriz, que se integra perfectamente a la imagen.

 

A diferencia de la Xilografía de Occidente, mokuhanga utiliza herramientas y materiales de origen natural, mientras que la xilografía tradicional que se masifica desde Europa para la reproducción masiva de contenido religioso o político nace de la imprenta, y a partir de esos procedimientos se mantiene hasta hoy, variando por cierto la connotación artística de la obra. Pero, es estudiada de esa forma en las escuelas de arte y talleres de grabado. En este caso, se utilizan tintas en base oleosa, y toda la gama de materiales para su limpieza son a partir del petróleo (aguarrás, parafina, diluyentes, etc.); una diferencia notoria es la utilización de la prensa para la impresión, ésta se considera abiertamente “el corazón del taller de grabado”.

Fig.2

 

En Chile, la más conocida ola producida en xilografía es la Lira Popular, que se desarrolló aproximadamente durante 60 años entre los siglos XIX y XX, siendo una manifestación masiva y comercial que mezclaba la xilografía y la poesía en un pliego. Sin embargo, la práctica de mokuhanga es casi inexistente, así como el acceso a materiales y herramientas.

 

Otsu-e y ukiyo-e: Mokuhanga y la reproducción masiva de imágenes.

 

A partir de la disciplina de mokuhanga (xilografía) se desarrollaron en Japón diferentes géneros  -siendo la más famosa ukiyo-e (imágenes del mundo que fluye)- y una gran variedad de técnicas.

 

Otsu-e: Es una línea de pintura folk japonesa no firmada, en eso se diferencia de ukiyo-e que sí tiene firma, pero ambas; comparten temáticas y disciplinas: se desarrollan en xilografía (mokuhanga) y pintura.  En su inicio las obras Otsu-e se elaboraban de manera familiar, por tanto no es creado por un solo artista o artesano, eran imágenes práctico/religiosa, constituyendo parte del altar budista o en la pared de conmemoración familiar. La imagen budista que se crea mediante la mezcla de xilografía y pintura comienza en el periodo Ashikaga (1394-1573). Para una producción masiva, los temas preferidos fueron reproducidos gran cantidad de veces. Por ello, el diseño se fue simplificando para hacer más producción. De ese modo el costo se vio reducido y los compradores que viajaban podían adquirirlos sin problemas como un souvenir.

En resumen, otsu-e es un tipo de pintura/grabado simple, de autor desconocido, reproducido de manera repetitiva con los mismos temas en gran número de acuerdo a la demanda de la gente común y vendido de manera económica. Al no ser un trabajo artístico distinguido, sino sólo un trabajo mundano y de autor desconocido  otsu-e no fue incluido en los libros de historia de la pintura, al contrario, está más cercano a una serie de relatos cotidianos que podían ser producidos de manera rápida sin requerir la concentración de quienes lo realizaban; por ello, tuvieron más énfasis las pinturas de autor, como ukiyo-e. La gran cantidad de reproducciones de la misma imagen generó que en algunas áreas se utilizara xilografía en vez de pintura para hacer el trabajo más rápido. “Buddhist images were created way back in the Ashikaga Period (1394-1573) by printing with woodblocks, and this thechnique was only joined with brush painting for Otsu-e. (Otsu-e Zuroku, Otsu-e catalogue, Soetsu Yanagi, 1960)” (Ogyu, p. 17)

 

Ukiyo-e es el reflejo de las costumbres, paisajes, personajes populares y de interés general de la época Edo, documentando importantes detalles de la vida urbana, que por ese entonces emergía desde una organización social en que los chonin alcanzaban la riqueza cultural que antes había sido guardada por la elite, así aflora la literatura de la época Heian como base de las creaciones del ‘mundo que fluye’. Era tal, que muchos actores, poetas y dibujantes de Edo compartían proyectos y espacios que se reflejan en las imágenes. Esta notoriedad del arte “obedecía a las nuevas necesidades de un mundo artístico que empezaba a sentir predilección por libros ilustrados y pinturas que plasmaran escenas de dentro y fuera de la ciudad, pero sobre todo los 'barrios del placer' y del teatro Kabuki, los dos puntos fuertes de la cultura del mundo flotante.” (Calza. 2010, p. 22). Fig. 3

 

La xilografía en Japón hasta fines de 1600 aún no había alcanzado su madurez, se denominaba sumizuri-e, debido a que se trataba de imágenes en negro, usando tinta sumi, sin colores; la disciplina de la xilografía se denomina Mokuhanga 木版画. Con el pasar del tiempo y debido al gran interés en la comercialización de las estampas se generaron las editoriales y con ellas un conjunto de mejoras en la calidad de la imagen, incluyendo diferentes estilos e innovaciones técnicas, hasta el uso de la cuatricromía que hizo explotar su riqueza visual. Las estampas se vendían en lugares comerciales muchas veces en forma de cuadernillo, y sus temáticas eran constituídas por una serie de estampas de similares características, muchas siendo cien o más.

 

Las escuelas de ukiyo-e se iban creando a partir de maestros y discípulos, quienes a su vez, también podían ser parte del inicio de una nueva escuela. Así encontramos la de “Hishikawa o Edo” inicialmente con el maestro Moronobu, de ahí derivó a la escuela Okumura de Masanobu; La escuela Torii con Kiyonobu llegando a la escuela Hosoda. También encontramos la escuela Miyagawa con Chöshun, de la cual sigue la escuela Katsukawa, de la cual continúa la escuela Hokusai; también está la escuela Kitao; La escuela o grupo Nishimura/Ishikawa; una más prolífica del grupo Sekien, de la que derivan la escuela Utagawa y la escuela Kitagawa; y por último, la escuela Kikukawa. En total contando con alrededor de 110 artistas, muchos de ellos famosos y destacados, algunos con un alto valor en Occidente (debido al intercambio cultural de ciertos autores) y otros de excelente calidad que no son tan nombrados en Occidente pero muy importantes para el arte japonés. Pudiendo ser considerado el padre de la xilografía japonesa –a pesar que otros exponentes tienen evidencia anterior, como Kanbun- se encuentra Moronobu, Hishikawa: nacido (supuestamente) en 1618, y muerto en 1694, quien tuvo relación desde muy pequeño debido al trabajo de su padre quien elaboraba fina vestimenta, por tanto se deduce de ahí su calidad de detalles con un exquisito juego lineal, quien realizó más de 150 libros sumizuri-e en su mayoría con temas históricos y literarios, pero también con su serie erótica Shunga (imágenes de primavera). Fig 4

 

Shunga es uno de las temáticas del ukiyo-e de mayor alcance en la época en Japón pero poco conocido en Occidente, debido a su contenido erótico, se ha clasificado incluso como pornográfico por sus imágenes que evidencian los genitales y el acto sexual, pero resulta que el sexo en Japón no tiene la carga pecaminosa de Occidente, de hecho las imágenes shunga raramente presentan el cuerpo desnudo, y se refieren –tal como es la esencia del mundo que fluye- a encuentros amorosos fugaces e improvisados. Muchos de los más destacados artistas ukiyo-e dedicaron una importante parte de su producción a shunga, debido a que fue una temática altamente comercializable que se vendía en formatos de cuadernillo, generalmente exponiendo en la portada la estampa con mayor sutileza en el tema “amoroso”. Una de las más famosas imágenes shunga es conocida con el título “El sueño de la mujer del pescador” ó “Buceadora violada por pulpos” ó “Tentáculos de amor y muerte” de Hokusai, de la serie “Languidecer de amor (Kinoe no Komatsu) de 1814, está basada en la leyenda Taishokan. La imagen está rodeada de texto, y se trata de una parodia a la seriedad de la Leyenda, el texto trata del diálogo entre el pulpo (Dios) y la pescadora:

 

“La buseadora dice:  Ee, moo, siento cosquillas. Una tras otra hasta perder la cuenta ¡me corro¡ ¡me corro!...

 

El pequeño pulpo: Cuando mi pariente haya acabado, también yo usaré mi boca prominente para restregársela desde su clítoris hasta su culo hasta hacer que se desmaye [y] cuando vuelva en sí, volveré a hacérselo, chu, chu. (…)” (Bru. p, 59). Edmond de Goncourt en Calza (p. 340) la describe así: “Una de las imágenes es la aterradora estampa del desnudo femenino recortado sobre las rocas cubiertas de algas que se desvanece de placer. Tal es el estado de abandono de la mujer –sicut cadáver- que no resulta nada fácil averiguar si ha sido víctima de un naufragio o si en realidad está viva. Un pulpo gigantesco, con horrendas pupilas a modo de lunas negras en cuarto creciente y menguante, chupa las partes bajas de la muchacha, mientras otro de menor tamaño devora su boca con avidez.”

 

Tradicionalmente las estampas ukiyo-e se elaboraban en formatos específicos: con medidas aproximadas son: Öban de 39 cm x 28 cm.; Chüban, de 28 cm x 18 cm.; Chütanzaku de 39 cm x 13 cm.; Ötanzaku de 39 cm x 18 cm. Ello es un aspecto a considerar para reconocer la autenticidad de una estampa, ello debido a la gran cantidad de copias, ediciones posteriores y falsificaciones de las estampas que se encuentran muy demandadas hoy en diferentes lugares del mundo, especialmente en Europa y Estados Unidos, desde donde se comercializan incluso por ventas on line.

En muchas oportunidades las ukiyo-e incluyen wakas  (poesía japonesa), se encuentran en forma de tanka  -poema corto de 31 sílabas en 5 líneas (5-7-5-7-7) que enfatiza en la belleza de la vida y puede o no incluir yojo: manifestación de anhelo mediante profundos sentimientos-,  ó, en forma de haiku ó hokku -poema corto de 17 sílabas (5-7-5), que, en formato de xilografía se denomina tanzaku-ban (hoja con poema)-, estos poemas se caracterizan por dar cuenta de un momento específico generado por una contemplación profunda de la naturaleza, y aluden a una época del año.

La gran calidad y cantidad de estampas pertenecientes a ukiyo-e han generado el interés de muchos artistas contemporáneos, quienes desarrollan sus trabajos de arte mediante la disciplina mokuhanga, inspirándose muchas veces en las temáticas de sus orígenes pero con una connotación contemporánea. La Conferencia Internacional de Mokuhanga, en Hawaii en 2017, es un claro ejemplo del interés que despierta esta disciplina en nuestra época, donde artistas del grabado de variados países se encontraron presentando obras y ponencias sobre distintos aspectos de la xilografía japonesa mediante su experiencia en sus localidades. Destacó la participación de personas de Estados Unidos, Italia y Australia, quienes mostraron calidad en sus obras, y quienes concordaban en la perseverancia que habría que tener para desarrollar esta disciplina que se caracteriza por la meticulosidad de su quehacer. Un punto destacado en el conocimiento y distribución de obras del arte mokuhanga japonés es la Galería Ronin en Los Ángeles, Estados Unidos. Lugar que da pie a interesantes exposiciones de la disciplina abordando todas sus épocas, especialmente Edo y contemporánea.

 

Fig 5

 

 

Referencias

 

Almazán. D. (2009) Utagawa Kunisada (1786-1865) y la serie Mitate rokkasen (1858): poetas del periodo Heian y teatro kabuki del periodo Edo en el grabado japonés ukiyo-e Artigrama, núm. 24,  757-774 — I.S.S.N.: 0213-1498

 

Bru. R. (2010) Tentáculos de amor y de muerte de Hokusai a Picasso. https://ricardb.files.wordpress.com/2010/06/picassosgunga-esp54_69.pdf

 

Calza. J.C. (2010). Poema de la almohada y otras historias de Utamaro,Hokusai,Kuniyoshí y otros artistas del  mundo flotante. Phaidon Press.

 

Diccionario español japonés (1986)/editorial Enderle Shoten.No.5, Yotsuya 1 chome Shinjuku-ku Tokyo/160 JAPAN.

 

Fahr-Becker. G. (2002) Grabados Japoneses. Taschen Gmbh.

 

Faulkner. R. (1991) Kodansha internacional Ltd. Japan

 

Hendry. J. (2003) Understanding Japanese Society. Editorial board/3rd edición.

 

Japan Technical information Service Co.Ltd (1982). Japan The Land and its people. (falta autor)

 

López de Zuazo. A. (2003) Pliegos sueltos, periódicos y fascículos Universidad Complutense de Madrid Departamento de Periodismo http://revistas.ucm.es/index.php/ESMP/article/view/ESMP0303110229A/12693

 

Milenovich. S. (2008). Kimono. Océano.

 

Navarrete. M. (editora) 1999 La Lira Popular, poesía popular impresa del siglo XIX. Iconografía chilena VI. Colección Almiro de Ávila. DIBAM. Santiago de Chile. http://www.memoriachilena.cl/archivos2/pdfs/MC0000634.pdf

 

Ogyu. Sh. (2005). Otsu-e The Japan Folk Grafts Museum Collection. Toho Shuppan.

Orellana. M. (2005) La Lira Popular (1860-1976) Pueblo, poesía y ciudad en Chile. Editorial Universidad de Santiago.

 

Rupert. Masterpieces of Japanese Prints Ukiyo-e from the Victoria and Albert Museum

Schlombs. A. (2010). Hiroshige 1797-1858. Taschen. Barcelona.

 

SHUNGA

 

Vardaman. M. (2006) Contemporary Japanese History since 1945 (falta dato editorial)

 

 

 

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